Tu es toi-même une personne sourde, peux-tu nous faire part de ton rapport à la musique ?
J’aime la musique depuis petite, j’aime voir des concerts, l’alchimie entre les musiciens. J’aime danser, aller dans des bars ou dans des festivals et faire la fête. Je suis très curieuse de tout type de musique, de sa place dans l’histoire, de ses revendications et de la symbolique que la musique draine. De plus, c’est mon milieu de travail depuis plus de 10 ans et, je découvre et fais partie des gens passionnés qui continuent à apprendre. Si seuls les gens avec une bonne ouïe étaient autorisés à faire de la musique, il y aurait très peu de batteurs.

Peut-on appliquer le terme « écouter de la musique » aux personnes sourdes et malentendantes ?
Le signe « écouter » en langue des signes française se signe de deux façons : la main en C autour de l’oreille et la main en C autour de l’oeil. Donc les personnes sourdes peuvent comme tout le monde voir ou faire des concerts, aller dans des clubs, voir des clips, des raves, des fêtes, des deaf-party. De plus, on ressent la musique car les vibrations sont la base même du son. Évidemment chaque personne est différente, a des goûts spécifiques. Il n’y a donc pas qu’un seul type de sourd et par conséquent pas d’écoute type.

Y a-t-il un autre terme que « chansigne » pour désigner ta pratique ?
En particulier dans ce contexte instrumental (vv, vu-sique).
Moi j’utilise le mot chansigne mais d’autres termes existent. Certain.e.s se disent vusicien·nes et peuvent utiliser en parallèle le média vidéo. Ils font un vrai travail de laboratoire dans le champ expérimental comme Chassol peut le faire en son. Le visuel et le son représentent un espace de jeu et de recherche infini et, quand ils sont combinés encore plus. C’est toujours compliqué de résumer tout un pan d’une culture minoritaire mais j’encourage les gens pour qui tout ça est inconnu à faire des recherches, le 100% VV c’est de la dentelle ! Moi j’emprunte un peu de tout ça pour faire ma sauce.

Comment s’adapte-t-on aux différents styles musicaux ?
Je ne m’adapte pas, j’aime penser qu’on me contacte car on aime mon univers artistique. Ensuite je regarde les leurs et si humainement le courant passe on commence une collaboration. On travaille, on échange, on crée ensemble. Ce sont des questions qu’on ne pose jamais aux musicien·nes mais je pense qu’on essaye de fonctionner tous·tes pareil. Je me spécialise dans des projets qui me plaisent et qui matchent avec mon style (qui lui-même évolue) et mes valeurs. Tant que l’existence de l’intermittence me le permet, je fais des choses qui m’éclatent.

Pour un concert en chansigne, quelles sont les étapes de préparation ? Dois-tu par exemple beaucoup écouter la musique, répéter tes gestes ?
Une collaboration avec une nouvelle personne est toujours une création ou une re-création. Quand je ne suis pas en résidence avec les musicien·nes, je me plonge dans leurs univers, je regarde des vidéos d’autres artistes, je lis, je décortique la structure du morceau, j’échange avec des proches, j’écris, je dessine mes partitions… Ensuite, avec cette matière on se revoit et on s’adapte tous et toutes. Par exemple, lors de la première résidence avec Airelle, Jonas et Sebastian, je leur ai demandé ce qu’ils avaient dans la tête lorsqu’ils jouaient ou avaient composé les morceaux. Certains avaient des images, d’autres des histoires… Ensuite c’est un travail de rendre le tout varié, lui donner une couleur spéciale et l’enrichir avec des emprunts de poèmes, ou de compositions de tableaux par exemple. Pour certaines créations je peux passer des heures à regarder des génériques comme ceux de The Wire pour voir comment les plans sont montés et s’encastrent et si j’arrive à recréer cette dynamique en signes. Il faut ensuite répéter encore et encore pour pouvoir, sur place, ré-agencer si besoin les bouts de partitions, les inverser… Mais c’est sûr qu’avec le temps je gagne en automatisme et je suis plus efficace en préparation.

Peux-tu me raconter la genèse du concert chansigné avec le trio d’Airelle Besson. Qui en a eu l’idée ?
Airelle m’a vu jouer dans un bar à Coutances avec mon duo Albaricate pendant qu’elle était en résidence à Jazz sous les pommiers. Elle m’a proposé de travailler ensemble dans le cadre de la carte blanche que le festival lui avait donnée1. C’était chouette car on a lié la création avec des actions culturelles sur un temps long pour le festival avec des enfants sourds et entendants. Ça nous a permis de tisser de vrais liens !

Peux-tu me préciser le processus de création et d’association du chansigne sur ce projet : quelle a été ton approche pour chansigner sur de la musique instrumentale ?
La première création a eu lieu il y a 7 ans déjà. J’ai donc d’abord demandé aux musicien·nes les images qu’ils·elle avaient en tête au moment de jouer ou d’écrire la musique. À partir de cela, j’ai fait des trames pour esquisser des images, des scènes et leur donner de la cohérence, comme si nous dessinions une bande dessinée. Puis on s’est retrouvé et on a essayé de voir comment tout cela s’imbriquait. Parfois il faut ajouter, enlever, créer des répétitions car les motifs se répètent. On arrive tout à fait à se comprendre et se retrouver au même endroit avec les vibrations et les regards. Parfois je suis plus le piano, parfois la batterie, parfois la trompette et parfois c’est moi que les musicien·nes suivent. Nous avons repris le projet en octobre 2024. Il était nécessaire d’effectuer des ajustements car des morceaux étaient partis, d’autres arrivés et puis il fallait que la création corresponde à l’évolution de mon chansigne. Ma pratique se nourrit de lectures, de films, de spectacles etc. en bref, de ce que je suis aujourd’hui. J’ai donc modifié mes textes pour qu’ils soient en adéquation avec ces évolutions. L’enjeu du travail est aussi de proposer des morceaux variés, un peu comme une programmation de différents courts métrages. Certains sont abstraits, d’autres figuratifs, issus de collages ou en plan-séquence… il ne faut pas tourner en rond. Quelques exemples de mon travail sur des morceaux du trio : « J.T. » : sous la forme d’un conte. Une horde d’oiseaux s’envole à la recherche d’enfants pour les transformer à leur image. « Go » : film noir et course-poursuite d’un détective privé au sein de New-york. « Luleas’Sunset » : une promenade bucolique aux derniers rayons du soleil. « Tokyo dans la brume » : instant poétique autour de la pâtisserie, de la conception à la dégustation. « Painter et Boxer » : portrait et souvenirs de Violette ancienne bagarreuse devenue peintre.

Tous ces signes sont-ils inventés ou estce que toute personne familière à la LSF peut comprendre ? Le chansigne, notamment quand il ne colle pas à un texte chanté, n’a pas pour but d’être 100% explicatif. C’est comme la poésie, parfois le texte est littéral avec des phrases très terre à terre mais parfois non. Il y a des ajouts de vv (visual virtual : art sourd mime très poussé) des signes et du jeu. Il n’y a donc pas uniquement de la LSF « de discussion » mais aussi du vocable visuel, qui crée des séquences.

Comment sais-tu que les musiciens et musiciennes improvisent ?
On se donne des points de rendez-vous et on se regarde, on se sent. C’est important de faire un « tout » sur scène. J’improvise aussi. Tout cela est un travail différent d’un texte de chansigne en chanson française où tout est cadré avec un début et une fin. Tous·tes ensemble nous composons un tableau, il faut juste savoir lâcher le pinceau quand la musique s’arrête. Le but c’est de retomber sur ses pattes. Parfois ça plante, ce n’est pas grave ! Je n’aime pas les choses trop figées, c’est ce qui fait la magie de cette pratique.

• Propos recueillis par Camille Rigolage et Camille Retailleau 

Dimanche 9 novembre, Pannonica recevait Matthieu Prual pour la Marche des Sphinx, ouvrant ses portes aux touts petits mais aussi à un journaliste de SUN : Titouan Loncle-Hauët. Au micro de ce dernier, l’artiste explicite son processus de création ainsi que son ressenti dans ce contexte de création pour le jeune public.

La Marche des Sphinx a été présentée à deux reprises à deux tranches d’âges différentes. La seconde séance a été accompagnée d’un atelier famille autour du rythme et du souffle :

Prochain Panno’kids : le dimanche 22 mars avec Ba.Baribulles, le duo formé par Chloé Cailleton (chant) et Ronan Le Gouriérec (saxophone baryton).

PHOTO : ATELIER FAMILLE © DR

ADRIEN SANCHEZ : SAXOPHONE / MAXIME SANCHEZ : PIANO / FLORENT NISSE : CONTREBASSE / GAUTIER GARRIGUE : BATTERIE
DIRECTION ARTISTIQUE : SIMON NOIZAT / DÉCOR ET PROJECTION VIDÉO : AUGUSTE DIAZ / RÉGIE LUMIERE : TRISTAN BUET / CRÉATION VIDÉO : UNDA 

Photo du groupe © Baptiste Germser / Photo de Florent Nisse © Pauline Penicaud

Trois ans déjà que Pannonica noue des liens privilégiés avec l’école Villa Maria, sa centaine d’élèves de la petite section au CM2 et l’ensemble de son équipe éducative. Ce véritable jumelage trouve sa source dans la politique d’éducation artistique et culturelle déployée par la Ville, et son ancrage dans la proximité de la salle et de l’établissement scolaire, situés à seulement quelques rues l’un de l’autre. Aux rencontres, concerts, et autres ateliers qui rythment l’année scolaire, se combine depuis deux ans l’intervention d’un musicien intervenant du Conservatoire (également dénommé dumiste*). Un maillon essentiel à ce partenariat, qui a su lui donner la dimension escomptée : en faire un projet d’école.

Un simple dossier déposé par Villa Maria dans le cadre du dispositif « Musique à l’école » du Conservatoire, validé par une commission, et le précieux sésame est obtenu. Au cœur des ateliers dispensés par Olivier Lannot, puis Youen Le Thellec, le chant, le rythme et la connexion au corps sont centraux. Leurs interventions sont nourries par un fil rouge lié à un spectacle au Pannonica. Après Le livre de la jungle les élèves travaillent autour de Big bang Oratorio, programmé en mars.
Tout cela constitue également le socle du fameux spectacle de fin d’année, présenté lors de la fête d’école, qui mobilise l’ensemble des parties prenantes aussi équipes éducatives que périscolaires, association des parents d’élèves et les premiers concernés : les enfants eux-mêmes. Musicien intervenant, un rôle clef donc !

Échanges avec Youen Le Thellec,
pour un éclairage sur cette posture de musicien.

Peux-tu nous présenter ton métier ? Le métier de musicien-intervenant consiste à mener des séances de musique, dans les écoles, en partenariat avec le professeur des écoles. D’une certaine manière, nous sommes le conservatoire « hors les murs » et permettons à tous les enfants d’avoir un lien avec lui.

Que penses-tu du terme « musicien-intervenant » ? Il y a plusieurs noms possibles à notre métier, qui charrient leurs avantages et leurs inconvénients. Le mot dumiste a l’avantage de mettre en avant le diplôme, le niveau de qualification qu’il représente. Musicien-intervenant est plus proche de notre pratique, mais ne saurait embrasser toute la dimension du métier – pédagogique, partenariale sur le long terme avec les écoles – mais c’est, je pense, le plus juste.
Je suis également attaché à la dimension d’artiste du musicien-intervenant. Nous avons tous une activité artistique, qui vient nourrir notre pédagogie et notre travail avec les enfants : nous sommes des artistes à l’école.

Tu interviens auprès des classes du CP au CM2 de l’école Villa Maria : que travailles-tu avec elles et eux ? Nous menons un projet autour du jazz et de l’espace ! J’adapte évidemment mon programme à chaque tranche d’âge, mais nous avons des chants en commun (Fly me to the moon par exemple, en français pour les petits, en anglais pour les grands). Nous avons également fait un travail rythmique inspiré de la méthode « O passo » qui permet des niveaux de complexité différents selon les âges, d’invention de paroles avec les grands… J’ai aussi mes chants ou jeux favoris, comme des bottes secrètes sur lesquels je peux m’appuyer.

Qu’est-ce que ce travail pédagogique apporte à ta pratique instrumentale ? L’apport principal a été d’améliorer considérablement ma faculté à retenir vite des mélodies, accords, mots, langues… Cet exercice, quotidien, sur plusieurs années, m’a aussi donné une intelligence sur scène, dans ma manière d’être avec mon instrument, en chant, qui est vraiment liée à mon métier.

• Propos recueillis par Camille Rigolage

*en référence à Diplôme Universitaire de Musicien Intervenant (DUMI)

PHOTO © GREGG BREHIN

Quelle est la mission du SMA et quel est votre rôle par rapport à celle-ci ? La mission du SMA est triple. D’abord, elle consiste à accompagner les adhérents – donc des lieux de diffusion, tels que Pannonica, labellisés SMAC ou pas, des festivals, des producteurs de spectacles, des labels, des radios, des centres de formation, des réseaux & fédérations – notamment via une permanence juridique, mais aussi des formations et des groupes de travail. Ensuite le rôle du SMA est de représenter ses membres dans les instances professionnelles : dans les négociations des conventions collectives (nous en négocions trois), mais aussi au CNM et enfin dans les instances liées à la formation professionnelle, pour défendre au mieux leurs intérêts. Enfin, le SMA contribue à l’élaboration des politiques publiques en lien avec le Gouvernement, le Parlement ou les associations de collectivités territoriales. Mon rôle est de mettre tout cela en œuvre en lien avec les instances du syndicat et l’équipe salariée.

Qu’aimez-vous le plus dans votre métier et à quoi ressemble votre journée de travail ?
Ce que j’aime beaucoup dans mon métier est la variété des sujets, ils sont très larges : par exemple, cela peut aller des questions de salaires dans la profession, jusqu’à des questions de transition écologique, en passant aussi par des sujets sociétaux, tel que l’incidence de la montée de l’extrême droite sur la culture. Ce qui m’anime avant tout, c’est la rencontre avec l’Autre, les échanges, les débats. Grâce à ma fonction, je suis en contact permanent avec les adhérents et avec nos interlocuteur·rices, je me déplace beaucoup et cela m’enrichit énormément. Je me considère comme un porte-voix de la profession, mon rôle est de capter les signaux faibles ou forts et de les organiser pour qu’ils soient pris en compte. Je suis aussi très intéressée par les politiques publiques. Ce qui m’anime, ce sont les questions de justice sociale.

Si vous deviez résumer, l’utilité des subventions publiques dans le domaine de la culture…
Les subventions publiques dans la culture, comme dans tout autre domaine d’ailleurs, sont là pour prendre en charge ce que le marché n’honore pas. Ce qui est intéressant et complexe aussi dans les musiques actuelles, c’est qu’elles relèvent à la fois en partie du marché, d’un secteur concurrentiel, c’est le cas d’une partie de la diffusion, des têtes d’affiche par exemple. Mais qu’elles sont aussi du ressort du service public : c’est le cas de l’action culturelle, des pratiques en amateur ou de l’accompagnement des pratiques artistiques, qui, par essence, ne sont pas rentables. Comme le sont aussi l’éducation, la justice, la santé ; et c’est donc à ce titre que les musiques actuelles et la culture doivent être prises en charge par la puissance publique donc via des subventions.

Nous, les salles de concerts et lieux culturels, devons-nous nous préparer à faire de la pédagogie quant à l’intérêt de notre présence sur notre territoire ?
Malheureusement, nous pouvons constater que l’importance de la culture et plus largement du secteur associatif est de plus en plus contestée ces derniers temps. Les constats posés par certain·es citoyen·nes sont de plus en plus décomplexés, sans doute du fait de prises de positions de certains politiques qui les mettent à mal.
Je pense que nous devons y être particulièrement vigilant·es. En effet une des principales caractéristiques du fascisme est bien la haine de la culture et la contestation de la figure de l’artiste. Faisons donc attention à ces discours populistes de plus en plus présents et audibles, politiquement et médiatiquement et rappelons que les salles de concerts et les lieux culturels sont indispensables pour se confronter artistiquement, mais aussi pour échanger, débattre entre citoyen·nes : ce sont des lieux de vie indispensables à la société.

Récemment, vous montez au créneau et mobilisez vos adhérents concernant la baisse de budget, comment s’organisent ces mobilisations et campagnes de communication aussi rapidement ?
La chance, mais sans doute aussi l’origine du secteur des musiques actuelles est qu’il est extrêmement structuré : certes il y a le SMA, mais au préalable il y a aussi des fédérations nationales ainsi que des réseaux régionaux et surtout dans les structures : des militantes et des militants culturels ! Aussi le travail du SMA consiste à orchestrer tout cela, à mettre en mouvement ce réseau pour porter notre voix, qu’elle soit entendue et enfin prise en compte. Yves Bommenel, un de nos anciens présidents, parle de démocratie ascendante, c’est exactement ainsi que nous travaillons : tout part de la base des adhérents pour ensuite remonter.

Quel est votre avis concernant l’avenir du secteur des musiques actuelles ?
Cette année, le SMA fête ses 20 ans. Si nous regardons en arrière, je crois que l’on peut aisément se dire que le secteur s’est considérablement structuré et professionnalisé : respect des conventions collectives, du cadre légal, co-construction des politiques publiques avec les élu·es, etc.
Toutefois, si je me projette sur les 20 prochaines années, je ne serais sans doute pas aussi optimiste, (étant pourtant de nature relativement optimiste !) notamment au vu de ce que j’ai pu développer précédemment. En effet la culture est de plus en plus reléguée et mise à mal politiquement, considérée comme « non essentielle » aussi. Où cela va-t-il nous mener ? Clairement la musique ne cessera pas ! Hélas, il n’est pas impossible que nous revenions en arrière, vers un secteur plus DIY (do it yourself). Mais nous allons nous battre pour que ce ne soit pas le cas !

Quelques mots concernant la baisse des subventions en Pays de la Loire ?L’exemple des Pays de Loire est typique de ces politiques qui considèrent les politiques culturelles comme secondaires, non essentielles, « shootées à l’argent public » pour reprendre les mots de l’élue.
Bien sûr, comme la Présidente de Région, nous sommes aussi affolé·es par le niveau d’endettement de notre pays et souhaitons y apporter des solutions adaptées. Mais à notre sens, faire une croix pure et simple sur les dépenses culturelles est une grave erreur, d’autant plus dans le contexte actuel. Nous constatons toutes et tous que la société est de plus en plus fracturée et le rôle de la culture dans ce contexte est justement de rassembler, au-delà des clivages et des opinions des individus, en créant du sensible. La culture n’est pas un supplément d’âme, mais au contraire le ciment de notre société : nous sommes toutes et tous des êtres sensibles.

Qu’écoutez-vous sur votre temps libre ?
Je suis une grande fan de PJ Harvey, c’est elle que j’écoute le plus régulièrement et quand j’ai besoin d’être dans ma bulle, d’autant que sa discographie est immense et extrêmement variée. Je suis assez sensible aux voix féminines comme celles de Lucie Antunes, Jeanne Added, Dafné Kritharas, Cat Power, Beth Gibbons, Cocorosie, Camille ou Jennifer Charles d’Elysian Fields. Et globalement j’ai besoin de musique pour avoir de l’énergie, avoir des frissons, rêver, donc j’écoute un répertoire assez large et largement inspiré par les productions et les programmations des adhérents que je lis avec attention et qui me guident dans mes choix : merci à elles et eux pour cette direction artistique de choix !

• Propos recueillis par Camille Retailleau 

Le quartet Colunia avait déjà la particularité d’intégrer à son jazz une harpe chromatique, un instrument récent qui permet une adaptation rapide à n’importe quel contexte harmonique. Mais c’est ici la rencontre avec deux musiciens du Sud de l’Inde qui, encore une fois, ouvre une musique énergique, inventive et vivante.  

Comment vous êtes-vous rencontrés ?
Florian Chaigne : Tout commence en 2011 lors d’un voyage en Inde du Sud. Emilie et moi-même rencontrons Giridhar à Bengalore.
Giridhar Udupa : Ils voulaient apprendre le langage rythmique vocal du sud de l’Inde que l’on appelle Konnakol. Ça a été le début d’une amitié de quinze ans et de nombreux workshops à chacune de mes visites en France.
FC : L’idée de collaborer sur scène est venue naturellement et il nous a semblé évident d’écrire un nouveau répertoire permettant cette rencontre. Ça a été le sujet de mes préoccupations au printemps dernier, pour finalement donner naissance à cinq compositions originales et à l’arrangement d’un traditionnel carnatique. J’ai envoyé en amont les morceaux à Giridhar et Subhalakshmi [Akkarai, voix et violon], puis nous avons travaillé dessus lors d’une résidence à la Libre Usine, à  Nantes, en juillet dernier. Giridhar a amené beaucoup d’idées pour transcender les compositions.

Pouvez-vous expliquer ce qu’est la musique carnatique et parler de votre pratique instrumentale ?
FC : La musique carnatique est une musique savante d’Inde du Sud de tradition orale. Je laisse le soin à Giridhar de rentrer plus dans le détail ! Avec nos instruments qui ne sont pas issus de cette tradition, nous ne pouvons qu’effleurer du doigt la science de cette musique qui demande des années de pratique…
GU : La musique carnatique est l’une des traditions musicales classiques les plus anciennes et les plus complexes du sud de l’Inde, connue pour sa profonde complexité mélodique et rythmique. L’improvisation en est un élément clé, ce qui en fait un choix naturel pour les collaborations inter-genres comme le jazz.
Mon instrument est le Ghatam, une percussion en argile qui produit des sonorités riches et dynamiques. Sous la direction de mon père et gourou, Mridangam Vidwan Ullur Giridhar Udupa, j’ai développé mes compétences en rythme, en variations tonales, ainsi que l’improvisation. Cette formation me permet de me fondre harmonieusement dans différents styles musicaux, créant des dialogues musicaux uniques et spontanés.

Comment cette rencontre a impacté votre façon de jouer, et notamment d’improviser ?
FC : Dans la musique indienne, la manière de penser les cycles et leurs décompositions rythmiques est une source inépuisable d’inspiration !
GU : Cette collaboration a eu un impact significatif sur notre façon de jouer, notamment en termes d’improvisation. Cela crée un lien naturel entre nos deux styles. Puisque les deux traditions mettent l’accent sur la créativité spontanée, il nous devient plus facile de composer et d’interagir musicalement. Cet échange nous a également permis d’explorer de nouveaux schémas rythmiques, techniques de phrasé et idées mélodiques, enrichissant notre expression individuelle et collective. C’est un processus d’apprentissage continu qui nous pousse à innover tout en restant fidèles à nos racines musicales respectives.
FC : C’est un peu comme lorsque l’on étudie l’infiniment petit : plus on zoome sur les éléments et plus l’on est ébahi par les différentes interactions du vivant ! La pratique des konnakols avec le quartet a permis de capter plus rapidement les propositions de nos deux homologues indiens et d’échanger musicalement.

Pouvez-vous choisir six termes qui caractérisent votre musique et le concert à venir au Pannonica ?
FC : Échange / Complicité / Générosité / Transe / Énergie / Plaisir
GU : Bonheur / Énergie positive / Groove / Tradition / Créativité / Unité

• Propos recueillis et traduits de l’anglais par Camille Pollas

Kham Meslien Trio va donner au Pannonica un concert à guichets fermés. Sans support musical pour le moment, cet entretien via écrans interposés était l’occasion de demander à son leader contrebassiste à quelle sauce le public va être mangé le 19 février prochain.

Tu viens sur la scène du Pannonica avec un nouveau projet, Kham Meslien Trio…
Ce projet est né de la volonté de renouer avec la petite formation. Je suis proche du batteur Franck Vaillant ; on a joué ensemble quelques temps dans le groupe Lo’Jo (*1). Je lui parlais de mes affinités pour les sonorités du trombone et il m’a proposé de faire un essai avec Daniel Zimmermann qu’il connaissait. On a fait des petites sessions chez Franck et il s’est avéré que ça m’a beaucoup plu: le mélange des timbres et des sonorités, mais aussi des personnalités musicales. J’ai composé quatorze morceaux. Il y a une filiation avec le solo de mon projet précédent, des mélodies assez simples et des espaces de sonorités assez épurées, mais il y a aussi une une forme de remise en question puisque je me retrouve avec deux super musiciens. C’est une nouvelle période, même si en parallèle je travaille sur un deuxième solo.

Va-t-on seulement entendre cette musique en tournée ?
L’objectif serait de pouvoir faire une belle quinzaine de concerts et après, d’enregistrer. Je suis toujours partisan d’éprouver les morceaux sur scène avant d’aller en studio. Je trouve que, sur le vif, il y a des évidences qui apparaissent au niveau de la structure des morceaux. De ce point de vue, rien ne remplace l’interaction avec le public.

Le concert affiche complet. Ton nom commence à avoir un certain écho.
Oui, je suis à un tournant de ma carrière. J’ai souvent été au sein de formations et de groupes différents, mais maintenant, cela fait trois ans que je tourne sous mon nom. Et puis n’oublions pas que Daniel Zimmermann et Franck Vaillant ont aussi leur public sur Nantes, qui viendra découvrir ce nouveau trio.

Pour Fantômes… futurs sorti en 2022, tu étais seul sur scène. Pour les nouvelles compositions, tu es accompagné.
Oui, effectivement, c’est un réel plaisir de jouer en groupe et ça l’a toujours été pour moi. J’ai toujours joué en groupe et je ne me suis d’ailleurs pas arrêté pendant cette période. J’avais d’autres projets, des créations éphémères. Le processus de jeu collectif, c’est l’essence même de la musique pour moi. Le solo, ça n’a jamais été une volonté, c’est parti d’une commande. Sur un festival de poésie dans le Finistère où j’accompagnais une amie autrice, l’organisateur m’a dit : « J’ai réservé un créneau pour ton solo de contrebasse. » Or, je n’avais jamais fait de solo de contrebasse. Mais la promotion était lancée et il m’a vraiment poussé pour que je présente une petite demi-heure de solo. Tout est parti de là.

Est-ce que c’est à partir de ce moment-là que tu es devenu un contrebassiste de jazz ?
Je travaillais déjà le jazz, j’avais déjà des affinités avec cette musique, mais c’est effectivement à partir de ce moment-là que j’ai pu être assimilé à un musicien de jazz.

Le fait de partir sur le solo et d’affronter le public seul en scène, ça a été facile ?
C’est vraiment un exercice très difficile. Je ne te cache pas qu’à un moment, je me suis dit que je n’étais pas fait pour ça. J’ai eu des grands moments de doute. Et puis ce solo ne vise pas la virtuosité, mais plutôt la recherche de l’émotion. J’ai joué ce lundi à la Maroquinerie à Paris, en première partie de Laurent Bardainne. C’était complet. Juste avant de jouer, le trac était bien présent, mais il y a eu une super écoute, une super attention. C’est ce que j’ai envie de reproduire avec le trio. Il y a des moments très intenses, très rock, et d’autres plus intimistes, très évanescents. Et comme nous serons en résidence pendant trois jours au Pannonica en prélude au concert, on va améliorer ces compositions et la vision de ce trio.

Est-ce que tu as la volonté d’être reconnu comme un compositeur ?
J’ai eu la chance d’être accompagné par Trempo (*2) pendant une année pour mon projet de solo. Il y a des choses que j’ai découvertes au fur et à mesure de son élaboration. Et effectivement, je me suis découvert compositeur. Je me suis découvert improvisateur aussi. Ça a été une révélation. Ce sont les rencontres avec des musiciens et des organismes d’aide à l’émancipation musicale qui m’ont permis de prendre conscience de tout cela.

Cet album tardif en tant que Kham Meslien a été très bien reçu dans les médias spécialisés.
Oui, ça m’a encouragé. Beaucoup de musiciens réalisent des œuvres exceptionnelles, travaillent énormément, mais quelquefois, ce qui peut manquer, c’est juste l’alignement des planètes. Là, au moment où le disque était prêt, j’ai eu la chance de trouver un label en cinq mails, de trouver rapidement un tourneur très motivé, de trouver un attaché de presse qui connaissait le tourneur et le label, ce qui fait que tout le monde a travaillé en synergie de manière intensive autour du projet. Le disque est tombé au bon moment.

Tes influences ?
C’est toujours délicat de dire que je suis influencé par tel ou tel musicien. On va dire, plutôt que j’ai beaucoup écouté certains musiciens. Dave Holland, par exemple. Ça ne s’entend peut-être pas, mais je l’ai beaucoup écouté. Larry Grenadier également, qui a fait un superbe album solo, The Gleaners. Et je suis fan du contrebassiste français d’origine arménienne Claude Tchamitchian. C’est un maître. On s’est rencontré plusieurs fois. C’est quelqu’un qui m’accompagne. Cette année justement, je suis allé le voir pour des conseils.

Et pour la composition ?
C’est plus une démarche personnelle, une envie d’exprimer des ressentis, de faire écho, résonance avec mon instrument.
Mon prochain solo va faire référence à une événement qui m’est arrivé lorsque j’étais enfant. Un jour, sur une plage, j’ai rencontré une grand-mère très impressionnante, avec qui j’ai discuté. Mon père, qui était au loin, m’a interpellé pour me demander de cesser de parler avec elle. Lorsque je me suis retourné, elle avait disparu. Je n’ai jamais su qui elle était, si elle faisait partie de ce monde mystérieux des légendes liées aux Antilles.
Je fais une recherche autour des mythes marins liés aux Caraïbes, recherche que j’ai étendue au Brésil et à l’Islande, pays dans lesquels je suis allé jouer. L’Islande, qui est plongée dans l’obscurité 4 à 5 mois de l’année, est propice également à l’apparition de fantômes… Je collecte des choses et ça commence à mûrir pour le second solo.

Le projet solo, tu l’as emmené également en Australie ?
Oui, j’ai eu beaucoup de chance, J’ai toujours été programmé dans des conditions assez idéales, voire idylliques. Le solo, les premières fois que je l’ai joué, c’était dans le Finistère. Suite à ça, des amis qui font partie de la compagnie Carabosse – ils travaillent la flamme et font des installations, de la grande scénographie – ont proposé de m’emmener en Australie pour jouer dans un grand parc à Melbourne. 10 000 entrées: c’était monstrueux! Je devais jouer trois heures sous un grand arbre majestueux, un cèdre. J’ai dû improviser, aller chercher des choses, creuser cette histoire. Une sacrée expérience. Oui, on peut dire que j’ai eu une bonne étoile.

Ton parcours peut paraître atypique…
Dans le milieu du jazz, peut-être. J’arrive très tard dans ce milieu et je rentre en plus par la porte du solo, ce qui est aussi plutôt rare. Je n’ai pas non plus le parcours d’un musicien d’exception qui a fait le conservatoire et qui a une technicité énorme. Je ne me considère pas comme un contrebassiste virtuose. Je n’ai pas du tout cette prétention. Quelque part, c’est rassurant de savoir qu’il n’y a pas que ça qui compte, mais je me suis retrouvé parfois dans des situations intimidantes, à jouer un solo devant des grands noms du jazz. C’est vrai que j’ai un parcours atypique.

Tu es Angevin. Est-ce que tu veux t’exprimer sur la baisse du budget de la culture dans notre région ?
Le nerf de la guerre, c’est toujours l’argent, et s’attaquer à la culture, à l’éducation, au milieu associatif… Tous ces gamins, toutes ces gamines qui vont se retrouver dans des situations pas possibles parce qu’il n’y aura plus de planning familial. C’est tirer une balle dans le pied des générations à venir. Je suis adhérent à Anticor. C’est une grosse association qui milite pour la probité, pour lutter contre la corruption. Si on consacrait davantage d’énergie à lutter contre l’exil, l’optimisation, la fraude fiscale et la corruption, je crois qu’on récupérerait beaucoup d’argent. Et puis ce qui m’a choqué, c’est qu’on a induit que les aides culturelles étaient utilisées dans des cercles mafieux, par des profiteurs pour des projets abscons ou confidentiels. Pour le coup, c’est de la malhonnêteté intellectuelle.

Pannonica oblige, si tu devais figurer dans le livre de la baronne de Königswarter, Les jazzmen et leurs trois vœux, quels seraient-ils ?
Le premier, ce serait de pouvoir continuer à jouer de la musique le plus longtemps possible et ne pas avoir l’impression de me répéter, de continuer à être inventif et de me surprendre.
Le deuxième, ce serait qu’il y ait plus de concerts de proximité et moins d’écrans allumés. Il y a plein de jeunes qui s’en émancipent, mais il y en a aussi plein qui subissent ces réseaux sociaux qui exacerbent la notion d’immédiateté. Il est nécessaire de transmettre que, pour arriver à quelque chose de satisfaisant ou d’un peu satisfaisant, il faut faire et refaire. Qu’on n’obtient rien d’un claquement de doigts.
Et le troisième vœu, ce serait qu’on ait enfin un gouvernement – quel qu’il soit – qui mette un accent prioritaire sur l’éducation. L’éducation, c’est un viatique pour comprendre l’écologie, les dangers du réchauffement climatique, et qui permet l’émancipation, le sens critique… bref, le libre arbitre.

• Propos recueillis par Jean Do

1/ Lo’Jo : groupe de musiques du monde dans lequel Kham Meslien a tenu la basse et la contrebasse entre 1997 et 2016.

2/ En 2021 et 2022, Kham Meslien est accompagné par Trempo dans le cadre du programme 360, en partenariat avec le CRDJ, Collectif Régional de Diffusion du Jazz en Pays de la Loire.

Dans le cadre de Jazz en Phase et de la Rentrée Grands Formats 2024, Pannonica, en collaboration avec La Soufflerie et dans le cadre de la Rentrée Grands Formats, a présenté : L’Acoustic Large Ensemble. MonstudioTV a profité de cette occasion pour aller à la rencontre de son compositeur et guitariste : Paul Jarret.

Une interview réalisée par MonstudioTV / Interview : Jivankha / Images : Nick Riesmann / Coordination : Walter Bonomo

PAAL NILSSEN-LOVE
BRAZILIAN NEW FUNK
PANNONICA 20 OCTOBRE 2024

Allons nous promener aux Etats-Unis du Brésil […]
Allons défiler dans la rue où est passée l’école de samba Mangueira
Cateano Veloso, « Enquanto seu lôbo não vem »

Né un 24 décembre (1974) à Molde, c’est-à-dire sûrement sous la neige : Paal Nilssen-Love était-il fait pour chanter le Brésil ? Le jazz, c’est une chose entendue : ses parents tiennent un club à Stavanger, dans le sud de la Norvège, et son père joue en plus de la batterie dont l’enfant s’approprie bientôt tous les éléments. De la musique qu’il entend à domicile, Paal retiendra un grand solo déposé par Jo Jones sur un enregistrement de « Caravan »¹ et les imposantes relectures du répertoire de Coltrane par le saxophoniste (et ami de son père) Frode Gjerstad.

Heureusement, il y a ce Large Unit, grand orchestre qu’il dirige à son tour et qu’il doit bien nourrir, pour faire tendre l’oreille à Nilssen-Love : « J’essaye de me tenir au courant… Aujourd’hui, en Norvège, il y a des joueuses de saxophone très intéressantes, qui repoussent leurs limites davantage que ne le font les saxophonistes mâles, comme si elles devaient se faire une place, ou alors c’est que les gars sont plus fainéants, je ne sais pas… En tout cas, j’essaye d’aller entendre le plus de concerts possibles. Et puis il y a ces nombreux ateliers que j’anime dans des écoles de musique, des conservatoires… ».

Dans le cadre d’un de ces ateliers, lors de son premier voyage au Brésil, en 2013, Paal Nilssen-Love a rencontré le percussionniste Paulinho Bicolor et le guitariste Kiko Dinucci : « On était là, je ne sais combien de musiciens, tous assis en cercle, à faire ce genre d’exercice qui consiste à imiter ce que l’intervenant précédent vient de jouer… Et voilà Paulinho qui produit ce son avec sa cuica, très surprenant ! Il jouait de son tambour de façon tout à fait traditionnelle mais il tenait à improviser et à explorer d’autres univers sonores, ce que j’ai tout de suite trouvé très intéressant. » Quelques années plus tard, le Roskilde Festival permet à Nilssen-Love d’imaginer son association avec ses deux nouveaux amis brésiliens et son complice de toujours, Frode Gjerstad : « En 2018, le festival m’a demandé de donner trois concerts différents. Je me suis tout de suite dit : ‘‘OK, le moment est venu d’essayer de nouvelles choses !’’ Il y a donc eu le Large Unit et les deux projets New Japanese Noise avec Akira Sakata (auquel Kiko participe d’ailleurs aussi) et New Brazilian Funk. Pour ce projet, l’idée était de jouer de la musique brésilienne le plus librement possible mais avec une certaine approche funk. Pour ça, je connaissais les musiciens parfaits : Kiko, Paulinho, Frode et Felipe Zenicola – en ce moment, Felipe est occupé avec son bébé, c’est donc Mattis Kleppen qui le remplace à la basse électrique… Quelqu’un dans la presse a dit que le New Brazilian Funk, c’était un peu la rencontre d’Ornette Coleman et d’Hermeto Pascoal. Il y a quelque chose de vrai là-dedans, c’est un mélange de toutes ces musiques… ».

DE GAUCHE À DROITE :  PAULINHO BICOLOR, KIKO DINUCCI , PAAL NILSSEN-LOVE, MATTIS KLEPPEN, FRODE GJERSTAD 

Pannonica lance un nouveau partenariat et s’associe au studio associatif MonstudioTV. L’objectif de cette nouvelle collaboration est de pouvoir recueillir et transmettre la parole d’artistes, loin de la contrainte restrictive de l’écrit. Le média interviendra ainsi à plusieurs reprises dans la saison. Bon visionnage.